【全新的香港】 与友人在M+，触摸艺术前沿

    下图是颜磊的作品《猴》。
    颜磊是中国当代实验艺术家，创作涉及绘画、装置、行为等多种形式，常以日常符号、流行文化元素为载体，探讨消费主义、文化身份等当代议题，风格兼具戏谑性与批判性。
    这件2003年的作品以塑膠彩（亚克力）布本为媒介，属于颜磊早期的绘画类创作。“猴” 作为符号化的形象，既可能关联生肖文化的本土意象，也可能是其对日常形象的解构实验，体现了他将通俗符号纳入当代艺术语境的创作思路。
    这件作品属于M+希克藏品（全球重要的中国当代艺术收藏之一），也体现了颜磊在当代艺术领域的代表性，其作品常被国际重要艺术机构收藏。

    下图是靳埭强的作品《天・地・人》，创作于1997 年。
    靳埭强1942年生于广东番禺，1957年定居香港，是国际平面设计联盟AGI会员，靳埭强设计奖创办人，还担任汕头大学长江艺术与设计学院荣誉院长，以及中央美术学院、清华大学等多所高校的客座教授。 
    靳埭强斩获诸多重磅荣誉，是首位入选香港十大杰出青年的设计师，也是唯一获颁市政局设计大奖的设计师，还先后获得香港特区的铜紫荆星章和银紫荆星章，更是首位名列世界平面设计师名人录的华人。
    靳埭强以包豪斯思潮为基础，深耕中华传统美学，比如水墨书写、文字设计等元素常出现在其作品中，并非简单堆砌传统符号，而是深入诠释东方哲思。也受早年裁缝经历影响，认为设计应像定制服装一样 “为他人度身订做”，而非单纯追求艺术表达，好的设计要契合企业、产品的核心需求，兼顾商业功能与文化内涵。
    其经典代表作品不限于以下几个：
    中国银行行标：这是其融合中西设计的典范之作。标志以中国古钱为基础，暗合 “天圆地方” 的传统理念，中间巧妙融入 “中” 字，既体现金融属性，又凸显品牌身份，该设计还获得了美国传达艺术年鉴设计奖，至今仍在使用。
    “人人重庆” 城市标志：2006年被确定为重庆城市形象标志。通过两个 “人” 字重叠组成 “庆” 字，既贴合 “双重喜庆” 的寓意，又传递出以人为本、携手并进的理念，适配城市对外宣传的需求。
    “华宴” 青花餐具：2007年为纪念香港回归十周年设计，与丹麦皇家哥本哈根瓷器制造厂合作打造，这套作品之后在香港、北京、米兰等多地巡回展览，展现了中式青花美学与西式餐具工艺的结合。
    后面说到的香港八仙，其中也有靳埭强。

   下图是李受俤的作品《火焰变奏》。
   李受俤1963年生于韩国，是韩国当代艺术家，以融合传统东亚媒介与当代观念的创作著称，其作品常探讨破碎与重构、传统与现代的张力，比如其知名的 Translated Vase系列，将破损的朝鲜青瓷碎片重组为新装置，而《火焰变奏》系列则以绢本绘画呈现抽象的火焰意象，传递动态的能量感。
    其作品在全球重要美术馆如纽约现代艺术博物馆、首尔国立现代美术馆展出，是韩国当代艺术中传统媒介当代转化的代表性艺术家之一，其创作既保留东亚文化的质感，又契合国际当代艺术的话语体系。

    从展示出来，走到一处公共空间，以为是走廊，其实这类空间本身也是艺术。

    工作人员友情提示，说那些碎石是可以踩上去的，而镜子则是打卡点。
    与安子心有灵犀，衣着都很搭调。

    从这里，望向外面，望向海边。
    原来这里也是一处公园，名字就叫做艺术公园。
    不远处的建筑，名为自由空间，是西九文化区的核心表演艺术场地之一，以自由创作、跨界交流为理念，包含全港最大的黑盒剧场大盒、小型展演空间细盒、盒仔，以及融合现场音乐与餐饮的留白（Livehouse），承办实验戏剧、舞蹈、音乐演出、工作坊等多元艺术活动。

    同时望见的，还有香港故宫文化博物馆。
    也是西九文化区的核心文化场馆，以展示故宫文物、推动中西文化交流为核心定位。以后找机会，再专程去看看。

    连接的另一个空间，是野口勇的作品。都是第一次听说，对安子来说却是熟知的。
    野口勇（Isamu Noguchi，1904-1988）是日裔美国艺术家、雕塑家与景观设计师，被誉为20世纪跨领域创作的标志性人物，其作品覆盖雕塑、家具设计、景观建筑、舞台设计等领域，擅长将东方哲学如日本禅意与西方现代主义如抽象几何融合，其标志性作品有：
    Akari 纸灯：以和纸与竹骨为材料，兼具东方美学的柔和质感与现代设计的实用性，至今仍是经典家居单品。
    雕塑作品：常以石材、金属为材料，呈现简洁的抽象形态，兼具力量感与诗意。
    景观设计：如美国康奈尔大学的Umbra雕塑庭院、日本的Moerenuma Park，将艺术与自然空间结合。
    野口勇打破了纯艺术与实用设计的边界，是现代主义中艺术生活化、生活艺术化的重要推动者，作品被全球顶尖美术馆如纽约现代艺术博物馆、东京国立近代美术馆收藏，其设计理念至今仍影响着当代艺术与设计领域。

    也拍下了吉冈德仁的作品《水方塊》。
    吉冈德仁是日本当代极具影响力的设计师和艺术家，曾与三宅一生、爱马仕等品牌合作，作品常以材料的诗意表达为核心，兼具美学性与实验性，被 MoMA、蓬皮杜艺术中心等机构收藏。
    吉冈德仁专注于无形元素，如光、风、声音的艺术表达，《水方塊》是其标志性作品之一，以不锈钢模具铸造光学玻璃，通过材料特性让作品随环境中的光与动态，呈现出流水波纹般的纹理与倒影，在简洁外形下暗藏自然的张力。
    作品体现了吉冈德仁的核心创作逻辑，融合工业材料与自然意象，在人造物与 自然感之间建立平衡，既带有极简设计的秩序感，又能唤起观者对自然现象的感知，是当代设计与艺术跨界的典型作品。

    展馆里的东西太多了，走着走着就乱了，也不确定具体是在哪个展厅中。
    感兴趣的部分，会拍下一些图，回来再细细研究。
    下图的三幅是劉小彤的作品《走出隔壁》，这是一个系列，拍摄于1972年，共五幅摄影作品，分别是《走出戈壁（沒有雲）》、《走出戈壁（加入太陽和雲）》、《走出戈壁 —— 在烏梁素海冰面上打蘆葦》、《走出戈壁 —— 在烏梁素海冰面上捆紮砍下的蘆葦》、《走出戈壁 —— 在冰面刨冰吃以解渴》。这个系列是劉小彤的标志性创作，通过影像呈现了知青在荒漠、冰面等环境中的生存状态，是反映特定历史时期社会风貌的珍贵视觉资料。
     劉小彤是1953年生于北京的自學成才攝影師，其作品聚焦1960-1970年代的知青群体，以戈壁沙漠为拍摄地，记录当时城市青年被动员上山下乡、在偏远地区垦荒的劳动与生活处境，作品带有强烈的时代纪实性。
    这些摄影作品在当时属于罕见记录，因文革时期中国民间拥有相机的人极少，其影像成为还原知青生活的稀缺素材。

    到了午饭时间，而我们还有太多的展厅没有参观。
    遇到一个义工，很热情地提出为我们讲解，其笑脸中的善意不容拒绝，便跟着她走过了另外一间展厅，先听听香港八仙的故事。
    这里的八仙，对应的是1993年在日本东京举办的现代香港のデザイン 8 人展（香港八位平面设计师联展），海报中以八仙过海的传统意象对应这八位设计师，具体名单如下：
    靳埭强（Kan Tai-keung）：国际平面设计大师，作品融合中西美学，代表作包括中国银行行标；
    陈幼坚（Alan Chan）：知名品牌设计师，擅长将东方元素与现代设计结合；
    区德诚（John Au）：香港资深平面设计师，专注于品牌与包装设计；
    顾传熙（Jennings Ku）：香港设计协会前主席，设计风格兼具商业性与艺术性；
    刘小康（Freeman Lau）：香港设计中心前董事，以 “椅子” 系列设计闻名；
    李锦沛（Tommy Li）：香港平面设计师，作品涉及品牌、书籍装帧等领域；
    石汉瑞（Henry Steiner）：奥地利裔香港设计师，被誉为 “香港设计之父”，擅长跨文化视觉传达；
    邓达智（Lilian Tang）：香港设计师，作品涵盖平面、时装等多元领域。
    这八位是当时香港设计界的代表性人物，此时以八仙过海隐喻他们各展所长、推动香港设计国际化的理念，也成为香港设计史的标志性事件之一。


    梅艳芳1984年推出的《飛躍舞台》专辑封面，设计者就是八仙之一陈幼坚。
    封面采用了当时前卫的喷画人像+几何元素风格，视觉冲击力极强，也契合飛躍舞台的动感主题。该设计荣获了当年的最佳唱片封套奖，是香港乐坛黄金时代的经典设计案例之一。

    汇丰银行目前使用的经典红白六角形标志，设计者也是八仙之一的石汉瑞。
    该标志于1983年正式启用，石汉瑞从1978年就受委托构思汇丰新标志，历时五年才最终定稿。设计灵感源自汇丰银行办事处早年使用的旗帜，这面旗帜的原型是苏格兰国旗的圣安德鲁十字，以此致敬汇丰的苏格兰创始人汤马士・修打兰。石汉瑞将旗帜的长方形改为正方形，还在图形左右两侧各添加一个红色三角形，最终形成了独特的六角形造型。
    六角形在自然界中是最稳定的结构之一，如蜂巢，暗合汇丰银行稳健、可靠的品牌调性，两侧的三角形恰似箭头，象征着贸易与通讯在东西南北各个方向的延伸。几何图形无地域文化限制，既符合西方现代设计美学，又能被亚洲市场快速接受，契合汇丰全球布局的品牌战略。无额外边框的纯图形结构，使其可无缝应用于不同载体如建筑标识、金融产品、广告物料，且在单色印刷时仍能保持高识别度。

   八仙之一的刘小康设计的椅子，要不是有讲解员讲解，还真是看不太懂。

    作品的名字叫《第三號議程》，创作于2015年。
    整体由10张尺寸、形状各异的椅子组成，可像拼图般互相紧扣，最终拼合成一个圆圈。这种拼合式结构，构成作品的核心视觉特征。
    劉小康自1990年代末起，以椅子为载体探索人际关系与群体互动。《第三號議程》通过不同椅子拼接成圈的形式，构建了一个协商分歧、寻求共识的隐喻平台，对应社会中多元且有时冲突的声音，引发设计能否促进各方沟通的思考。

    还见到了一些曾经眼熟到不能再眼熟的元素，体现方式却是全新的。
    比如Vivienne Tam在1995年春夏推出了毛澤東系列的毛裝，布料为機織聚酯纖維。
     Vivienne Tam是知名华裔时装设计师，1957年生于广东，成长于香港，现工作于纽约，是国际时尚界具有影响力的华裔设计师之一。  
    Vivienne Tam的设计以东方元素+西方时尚为核心，擅长将中国文化符号如旗袍、传统纹样、历史意象融入现代时装设计，作品兼具文化辨识度与潮流感，其作品曾登上巴黎、纽约时装周，被MoMA、大都会艺术博物馆等机构收藏，同时也与多个国际品牌推出跨界合作，是推动中国文化在时尚领域传播的代表性人物之一。
    这件毛泽东系列（Mao Collection）是Vivienne Tam的代表作之一，该系列以独特的文化符号运用引发时尚界关注，也让她在国际时尚圈崭露头角。

    在一个玻璃展柜内，陈列着一些特别奇怪的青花次纹样作品。
    它们出自艺术家倪海峰，名为《离境与抵达》，创作于2005年。
    以青花瓷的传统纹样，复刻现代日常物品，如手枪、熨斗、手机、水壶等，将 传统陶瓷美学与当代工业产品并置，其核心理念是通过传统工艺包裹现代物件的反差，探讨文化身份、全球化语境下的东西方符号碰撞，以及消费主义时代中传统与现代的关系。

    这组作品是当代艺术中以文化符号重构为主题的代表性作品之一，也是M+馆藏中体现视觉文化跨界的经典展品。

    下图的《廢料再生椅》，出自韓國裔藝術家吳世正，创作于2024年。吳世正长期关注材料的可持续性，这件作品是其再生设计系列的代表作之一。
    作品以塑膠、皮繩、合板等廢舊回收材料制作，契合作品名廢料再生的主题。

    下图的模型，对应的是香港中银大厦的 “前身方案”—— 由建筑师矶崎在1982年新设计的 “中银胶囊塔” 方案模型，并非最终建成的贝聿铭版中银大厦。
     日本建筑师矶崎新是新陈代谢派的代表人物之一，作品以堆叠胶囊单元为核心，外立面是大量白色立方体模块，类似胶囊公寓的放大版，顶部保留中银标识，是当时新陈代谢建筑风格的体现。
    矶崎新的方案延续了建筑是可生长、可替换的有机体理念，每个立方体模块都是独立的功能单元，可单独拆卸或更新，契合当时香港，高效、灵活的城市发展需求。

    也有胶囊公寓的模型，趴窗子望了望，里面的功能确实齐全，感觉也不是很小。

    更多的空间，在眼中铺开。

     时间关系，来不及看完所有的展厅，只能挑重点，安子心心念念的，是其中的一些女性艺术家。
    身临梦境。
    展出的是1950年代至今的女性藝術家環境作品。
    在沉浸式的環境體驗中，觀眾可隨意游走於各個房間，在動與靜的節奏裏體會多位女性藝術家跨越1950年代至今的作品。這些作品大多以裝置形式呈現，讓觀眾在感官體驗中與作品對話。今時今日，不少女性藝術家以媒體形式的裝置打破了空間的物理界限，令身體與感知超越展覽場地，直達想像的邊緣。
    這些裝作內大多充滿時間與記憶性，展品涵蓋繪畫、錄像、雕塑與特定場域創作等多種媒介，既是1950年代至今女性藝術家的創作足跡，也是當代藝術史的重要一頁。展覽同時展出了兩位來自本地的藝術家，她們的作品以獨特的視角與素材，展現了女性的多元視野。
    這些作品的媒介十分廣泛，媒材更是不拘一格，它們有時讓你會心微笑，有時讓你滿心溫柔，有時讓你感到開放自由。它們探索各種主題、物料和感知，既是個人體驗，也是群體經驗，讓你同時穿梭於思緒與身體之間。

    走进这些空间，体验梦境来临时的美妙感觉。

    下图是阿根廷艺术家瑪爾塔・米努金的作品，《來打滾和生活吧！》，创作于1964年，用的材料包括手繪布料、揚聲器、釘子、聲音、合成泡棉、電線、木，这是複製品。
    瑪爾塔・米努金創作的《來打滾和生活吧！》，令觀眾感到驚奇詫異又活力充沛。這件軟雕塑是在木框架覆上互相交疊的「床墊」組成，床墊表面滿是色彩迷幻的條紋，觀眾可入內探索。熟悉的披頭四音樂在空間內響起，米努金將日常生活中予人慰藉的床墊，轉化為可棲息的空間，展現了最平凡的物件，也能被賦予非凡的意義。
    米努金因其行為藝術、波普藝術及偶發藝術作品而聞名，這些參與式藝術事件可為觀眾帶來感受強烈且意想不到的情境。她在布宜諾斯艾利斯學習繪畫，1960 年代初移居巴黎，開始創作一系列由床墊和毯子構成的雕塑。1965 年返回布宜諾斯艾利斯後，米努金將重心轉向大型環境作品和大規模的參與式雕塑，並因此蜚聲國際。

    按工作人员的指引，也坐进去打了打滚，感觉好舒服，好美妙。

    再下图，是波蘭艺术家莉亞・盧布林创作于1970年的作品《穿透／排出（來自《隧道底河流》）》，用到的材料有管子、尼龍、彩繪及衛生紙筒、掛鉤、塑膠球、充氣管。
    莉亞・盧布林愛挑釁。她創作了《穿透／排出（來自《隧道底河流》）》之時，正值她對繪畫的政治影響力有限而感到沮喪；原屬一件更大型的作品，《穿透／排出》由兩個部分組成，探討生殖與分娩，並拓展觀眾參與藝術的方式。觀穿過隧道時，會遇到數個透明塑膠球（選用 PVC 球）。它們與一條帶狀形狀的管子相連，被連接到外部的壓縮機。盧布林希望「所有觀眾能回到起點，回到我們曾經在母親子宮中的那一刻」，這是一個象徵誕生及脆弱的瞬間。與之對應的作品《菲勒斯・具動力》有男性意象，是一組懸垂而下的充氣管，觀眾穿行於其中時，這些管子會隨之移動。

    盧布林生於波蘭，幼年時隨家人移居至布宜諾艾利斯。這件作品創作於 1966 年阿根廷軍事政變後動盪的社會環境中。她的作品以玩味十足的方式處理政治議題，而這件帶有性隱喻的作品，可被視為是對國家工業化狂熱的譴責，特別是阿根廷當時正在建設一條大型隧道。

    也挤进那些管子，体验了一把出生的感觉。

      用黑色、红色、绿色的充气袋/织物堆叠成的“隧道式空间”，是莉吉亚・克拉克的作品《房子即身体：穿透、排卵、孕育、排出》，通过压迫、失衡的空间体验，隐喻 “生命循环（分娩、身体）” 的主题，是巴西先锋艺术家莉吉亚・克拉克的经典环境艺术作品之一。

 
    还有一间羽毛室，就是在屋子里堆满了羽毛。
    这也是艺术品，作者是1939年生於美国的朱迪・芝加哥，作品名字就叫做《羽毛室》，材料是「零残忍」羽毛、鋁、布料、LED 燈。
    《羽毛室》邀請觀眾進入渺渺茫茫的純白色世界，裏面放滿了約三百磅「零殘忍」羽毛。被這些羽毛包圍的你，不再只是被動的旁觀者，而是主動參與其中，成為作品的一部分。此作品在當初創作之時，標誌著體驗藝術方式的一大轉變。房間牆面呈弧形，裏面充滿柔和光線，營造出與世隔絕且無邊無際的空間。在傳統上由男性主導的雕塑與建築中，常見堅硬的材質和鋒利線條，而此作品則呈現出截然不同的風格。
    朱迪・芝加哥是著名美國藝術家，以女性主義藝術創作聞名。她的作品批判社會中的父權結構，並着力探討女性藝術家的角色。她與勞埃德・哈姆羅爾和埃里克・奧爾共同創立藝術團體「The Rooms Company」，並於 1966 年至 1968 年間共同構思了三件環境作品，尺寸皆為房間大小，這件作品正是其中之一。

    还走进了卡塔琳娜・格罗斯的作品《无限房间》中。
    这是件沉浸式数码互动空间装置，以镜面+光影屏幕构建出 “无限延伸的房间”，观众进入后，身体动作会与空间内的光影、镜像产生联动，营造出虚实交织的梦幻体验。卡塔琳娜・格罗斯以色彩与空间的实验著称，这件作品通过科技与身体感知的结合，探索了自我与环境的边界。
    此时不管什么艺术不艺术的，好友同行，都是开心且美妙的。

    时间关系，后面的参观比较潦草，基本上是一走一过。
    下图是余友涵创作于1999年的《毛泽东在延安与农民交谈》。

   下面几图，是1986年成立於廣西的羅氏兄弟，创作于1999年的《歡迎世界名牌》，极具创意。

   下图是常偉功作品《美元系列-1美元》和《美元系列-50美元》。
   可从以下三方面解读这件作品：
   一是符号挪用与视觉重构
    直接以美元钞票为视觉载体，通过丝网印刷工艺复刻钞票的版式框架，但替换 / 叠加了带有本土文化特征的形象（比如你展示的作品中融入的人物形象），把全球资本符号与个人化 / 本土视觉元素拼贴在一起，形成视觉冲突。
    二是材质与媒介的选择
    采用丝网印刷 + 棉布的组合：丝网印刷是当代艺术中常见的复制性媒介，呼应了钞票本身的批量流通 属性；而棉布的材质则弱化了钞票的金融工具质感，让作品更像带有符号隐喻的平面装置。
    三是议题指向：资本与身份的关联
    2000年后中国与全球资本的互动愈发紧密，这套作品以美元为切入点，既指向 资本符号的全球渗透，也暗含个体 / 本土身份在资本语境下的呈现方式—— 通过改造钞票这一无国界的资本载体，探讨文化、身份与资本的交织关系。

    下图是祁志龍的作品《中国女孩》。
    畫中少女身穿1960至1970年代流行的軍裝形象，让人联想到政治宣傳照，但明快亮丽的背景色和她的时髦妆容，恰似1990年代的时尚杂志封面。作品揉合了政治宣传和商业摄影的肖像风格，反映当时将一切事物乃至革命情怀商品化的社会风潮，，引人思考消費文化是否能夠帶領我們邁向美好生活。

    下图是赵半狄油画作品《中国湖C》，创作于2015年。
    这幅作品是赵半狄告别熊猫系列后开启派对期的标志性作品，以成都白鹭湾为取景地，描绘了衣着时髦的男女在及膝湖水中举杯社交的场景，背景是三圣花乡的荷花与芦苇，画名里的C正是成都的缩写。作品通过水中派对的荒诞设定，隐喻现代社交中看似优雅惬意、实则暗含不稳定与束缚的现实处境，是其转向社会雕塑创作思路的代表作品之一。

   下图是劉野的作品《槍》，创作于2001-2002年。
   畫面大片的朱紅背景，既承載了劉野在文革年代的童年記憶，也營造出緊張不安的情緒。在這片漫天遍野的火紅之下，一個小女孩的孤寂背影出現在右下角。她童稚的形象與手中的長槍格格不入，而那無法看見的臉容表情反而更激起無窮想像。
    说到刘野，安子很兴奋，说是中国当代架上绘画领域的顶尖艺术家。

    下图是方力鈞创作于2003年的作品《非典》。
    鋪滿巨幅畫面的一群光頭男人個個張大嘴巴，仰望同一方向，躁動不安的情緒四處湧現。方力鈞利用木刻版畫的套色技術，凸顯橙黃色頭顱與黑色眼睛及嘴巴的強烈對比，表現出2003年非典型肺炎疫情帶來的社會恐懼。

    下面两图是劉煒创作于1997年的作品《無題》。
    在這幅粉紅色調的三屏畫上，劉煒繪畫了鋸牙咧嘴的動物頭部和輪廓模糊的人面。恣意狂野的筆觸與流淌的顏料，令畫面如一灘潰爛的傷口和潰瘍的爛肉；拿著畫近看，可見扭曲的男女裸體，以及右屏上「你想要槍」和「我喜歡獸交」等英文句子。如此難以言喻而富震撼力的畫面，淋漓盡致地展現出物欲橫流下精神理想的崩塌狀態。

    下图是武小川的《面相》系列作品。 
    这个系列以虚化、朦胧的人像面容为核心，灵感来自画家对当代人精神状态的观察 —— 在社会快速变化的语境下，个体的身份、情绪常呈现出模糊、不确定的状态，用晕染、模糊的笔触，把这种不清晰的精神面貌转化为视觉语言。

   下图是岳敏君创作于2000年的作品《西元2000年》。
    岳敏君製作了二十五尊真人大小的笑臉男雕塑，排列佈置仿效舉世聞名的秦始皇兵馬俑。這些笑臉男的樣貌服飾及姿態動作整齊劃一，雙眼緊閉卻莫名其妙地咧嘴大笑，傳遞出一種咄咄逼人的不安感。

   下图是刘韡创作于2010年的作品《别碰！》，材质明显是生皮，呈现出类似布达拉宫的建筑形态，用材质的脆弱、标题的禁忌和符号的宏大三者的冲突，去解构文化、权力符号的既定认知，同时引发对人与符号关系的反思。

    下图是艾未未创作于2005年的《碎片》，以清代（1644-1911）被拆除寺庙的铁力木梁柱、桌椅等旧木构件为材料，通过拼接、重构组合而成。
    作品由多组扭曲、交错的木质结构组成，搭配传统中式桌椅，形成充满张力的空间装置，探讨传统的断裂与重构，暗喻文化在破碎后的复杂重生。

    下图，是蔡国强的《文化大混浴：为2000年做的计划》中的 “盐山” 装置。
    作品以以天然盐为主要材料，覆盖在类似假山的基底上，形成盐结晶+冰柱般的视觉形态，创作于2000 年前后。
    作者通过盐山，探讨文化的消融与混合。盐是具有保存、消融双重属性的材料（既可以腌制保存物品，也会随水溶解），对应文化在交流中的融合与消解。作品模仿传统中式假山的形态，但用盐替代石材，既呼应了东方园林的审美符号，又以盐的易消融性，暗喻文化传统在全球化语境下的流动性与不确定性。视觉上的冰柱 / 结晶质感，也强化了短暂性—— 指文化形态并非固定不变，而是在不断混合、演变中生成新的状态。

    又看到刘野的另一幅作品绘画作品《风景》（或《绿色风景与红蘑菇》。
    作品以高饱和度的绿色铺陈出茂密的植被与草地，搭配留白式的光路 / 水域，营造出童话般的超现实氛围。前景的黑色石头、红色蘑菇是刘野常用的符号元素，石头对应沉静的力量，红色蘑菇带有童真与危险的反差感，细节处的小花则增加了画面的细腻度。
    刘野的这类作品延续了其核心表达：甜腻的童真外壳 + 复杂的精神内核。表面是清新、卡通化的自然场景，像儿童插画般柔和；但突兀的黑色石头、鲜艳却带毒性暗示的红蘑菇又暗藏着美好表象下的不安感，呼应其对童年记忆、现实情绪的隐喻式表达，用看似天真的画面，包裹对生活复杂性的思考。

    下图是段建宇创作于2005年的作品《姐姐 第 4 號》，是其 “姐姐” 系列的代表作之一。
    段建宇1970 年生于河南，现工作于广州，是中国当代女性艺术家中的代表性人物。
    作品画面以超现实的拟人化物品队列为核心，把白菜、西瓜、企鹅等物品绑在行李箱上，由穿制服的姐姐（类似空乘的女性形象）牵引，营造出荒诞又日常的场景。
    段建宇通过这种日常物品的异化组合，调侃现代生活的规训与荒诞感，行李箱本是旅行 / 移动的载体，却被绑定了蔬菜、动物，既呼应了生活里的琐碎负载，也用幽默的方式消解了日常的严肃性。

   下图也是段建宇的作品《高原生活指南：給小羊講一個故事》，创作于2007年。
    画面中，穿蓝色服装的人物（类似医护或普通居住者）在床榻上给小羊讲故事，搭配房间里的绿植、灯具，营造出松弛却荒诞的日常感。
    段建宇用给小羊讲故事的拟人化情节，消解了高原生活的宏大叙事，把指南这类严肃的功能性文本，转化为轻松、私密的日常互动，既调侃了生活指南的规训感，也用温柔的荒诞感，传递出对日常诗意与孤独的细腻观察。

    同年创作的作品，还有《高原生活指南：如何在高原放鬆自己 —— 擠羊奶》。
    画面以日常劳作擠羊奶+非日常的精致装扮形成反差：穿蓝色精致服饰（类似制服 / 正装）的人物，在草原上给羊挤奶，搭配色彩鲜艳的桶、杯等物品，把高原劳作转化为一种松弛又荒诞的生活表演。
    段建宇用指南的严肃标题，搭配戏谑的日常场景，消解了高原生活的宏大叙事，把放鬆自己的抽象诉求，落地为具体又怪异的挤羊奶行为，既调侃了生活指南的规训感，也用温柔的荒诞感，传递出对日常里刻意松弛的细腻观察。

    最后一图，再来理解一下什么是希克奖，主要是为本次的观展做备忘。
    希克獎由M+於2018年成立，旨在頌揚大中華及海外華人地區的當代藝術家，並向國際展示該地區當代傑出的藝術成就。
    第三屆希克獎的六位入圍藝術家包括毕蓉蓉、何銳安、許家維、劉慧德、潘岱靜和黃炳。他們生於1980年至1990年代，現工作於全球不同城市，是歷屆最年輕的一群入圍者。他們的作品豐富多樣，涵蓋了從陶瓷和編織藝術到虛擬實境和人工智能，彰顯廣闊視野與年輕魄力。
    展覽共呈現六個包含新作及近作的委約項目，並以劉慧德的作品開首。她的陶瓷雕塑深受古代神話啟發，並承載着她豐富的個人情感。許家維的多媒體裝置則利用聲學及混合實境等科技探索歷史。何銳安結合歷史檔案與人工智能，研究圖像製作與技術應用中潛藏的權力結構。位於展廳一角的作品由潘岱靜創作，她邀請觀眾思考身體與建築空間之互動。毕蓉蓉融合紡織物及紡織 / 刺繡技法，令歷史紋樣重疊交織出全新故事。展覽以黃炳刻畫超現實荒謬場景的錄像裝置作結，作為對人性慾望的幽默反思。在當代藝術不斷發展的景觀中，六位藝術家共同開闢出振奮人心的崭新疆域。

    因为安子，所以有了M+，也有了长假最后一天的充实感。
    下次再来~~~